La mayoría de las personas que gustan del cine vieron, o al menos oyeron hablar de películas coreanas como Parasite y Train To Busan. (...) Lo cierto es que el cine coreano está teniendo reconocimiento mundial, lo que nos permite preguntarnos: ¿cuál es el secreto de este reconocimiento?
La industria cinematográfica de Corea del Sur se convirtió en el centro de atención en 2019 después del éxito de Parasite, de Boon Joon-ho, el director que también nos dio Snowpiercer (2013). Después de llevarse a casa cuatro premios en la 92ª edición de los Premios de la Academia en 2020, no sólo obtuvieron más reconocimiento de todos dentro y fuera de la industria, sino que se transformó en la primera película surcoreana y en idioma extranjero en ganar el premio a la mejor película. Aquellos que la hayan visto entenderán por qué, y si no, entonces deberían verla. Lo cierto es que el cine coreano está teniendo reconocimiento mundial, lo que nos permite preguntarnos: ¿cuál es el secreto de este reconocimiento?
La novedad y la innovación han sido ampliamente bienvenidas a lo largo de la cinematografía, cualquiera sea su país de origen. En general, en los escritos de la mayoría de las historias del cine, cada período ha sido representado por los avances estéticos. Sin embargo, la pasión por el cambio en el cine coreano es distinta. De hecho, un impulso convincente e incluso obsesivo hacia la innovación apuntaló toda la historia de la industria del cine coreano.
El carácter distintivo del cine coreano se origina en su asediada historia moderna, que abarca la colonización japonesa, la guerra y las dictaduras. Durante esos tiempos, la industria cinematográfica coreana tuvo dificultades para adquirir una base financiera segura, lo que resultó en el estreno de películas en su mayoría crudas y de pequeña escala. El contenido de la película no era artístico o lo suficientemente reflexivo como para interesar a los intelectuales. En una cultura que estimaba las letras sobre las imágenes, además, era difícil que el cine lograra una posición en la alta cultura.
Los críticos calificaron las películas coreanas de vulgares y baratas y vieron la industria como una vergüenza en comparación con películas de occidente. A fines de la década de 1970, el crítico de cine y director Ha Gil-jong criticó a la industria cinematográfica coreana: «¿en dónde se encuentra el cine coreano en el mundo? En ningún lugar. No está vivo ni muerto. No es más que una imitación a medias con un sucio espíritu comercial».
El cine de género parece definir la imagen de la industria cinematográfica de la mayoría de los coreanos. A lo largo de la historia cinematográfica de Corea, el melodrama dominó el cine popular. Incluso hoy en día, entre el 50 y el 70% de las películas producidas en Corea se clasifican (bastante ampliamente) como melodramas —basta mirar los títulos de películas y series coreanas en Netflix—. Las estrellas de cine populares a menudo son mejor recordadas por sus papeles en tragedias desgarradoras. En cierto sentido el melodrama se convirtió en parte de la autoimagen que el cine coreano da de sí mismo. En una escena de la aclamada película de 1990 Black Republic de Park Kwang-soo, cuando una camarera hace un comentario despectivo sobre una película de acción de Hollywood en la televisión. Su compañero responde: «es mejor que un melodrama llorón», a lo que ella responde: «¡Me gustan las películas coreanas!».
De manera irónica, el melodrama parece haber influido también en muchas películas artísticas coreanas. La palabra realismo se usa a menudo junto con películas de arte y ensayo destinadas a intelectuales y al circuito de festivales. Tanto directores clásicos como Yu Hyun-mok (Aimless Bullet, 1961) como figuras contemporáneas como Lee Chang-dong (Green Fish, 1997; Peppermint Candy, 2000) han sido elogiados por la crítica nacional por su ingeniosa captura de la realidad. El término realidad, sin embargo, merece una mirada más cercana. Después de todo, dejar una cámara de cine en la esquina de una calle durante dos horas produciría una obra muy realista, pero no necesariamente una película interesante.
Cuando los críticos usan la palabra, a menudo dan a entender la orientación política de la obra —su descripción de los rincones olvidados de la sociedad— o, en cuanto a la forma, la medida en que rechaza las convenciones del melodrama popular. En el melodrama, los sentimientos y circunstancias exagerados trabajan para despertar empatía en el espectador, mientras que, en la mayoría de las películas artísticas coreanas, los directores han llenado sus obras con lo mundano. En lugar de la música palpitante y seductora del melodrama escuchamos poca o nada de música. Los héroes melodramáticos con sus torrentes de emoción forman un polo opuesto al héroe amargo y silencioso de la película de arte. De esta forma, el género del melodrama ha tenido una influencia indirecta en muchas de las obras que componen la historia del cine coreano.
En los últimos años, sin embargo, el cine coreano se ha propuesto reinventarse. La industria cinematográfica nacional sufrió un profundo cambio tras la crisis económica asiática de 1997, con la salida de los grandes conglomerados empresariales que dominaban la industria. Desde entonces, el capital de riesgo reemplazó a los viejos conglomerados y una ola de cineastas jóvenes y frescos comenzó a transformar la industria. El público coreano respondió con fuerza, con un interés en las películas de su industria que se encuentra en su nivel más alto desde la década de 1960. A principios de 1999, el éxito de taquilla Shiri rompió el récord de taquilla para convertirse en la película coreana más vista de la historia del cine coreano. Esto no deja de ser curioso, porque ese récord lo tenía una película extranjera: Titanic. Luego de Shiri llegó una serie de éxitos de taquilla, lo que le dio a las películas coreanas una participación notable del 36% en los ingresos totales de taquilla, una de las más altas del mundo para una industria cinematográfica predominantemente local.
Hay varias formas en las que las películas de hoy tratan de distanciarse de sus predecesoras. Las películas más nuevas tienden a tener una sensación más brillante y, a medida que se ampliaron las capacidades técnicas de la industria, los directores comenzaron a emplear imágenes digitales sofisticadas y efectos especiales. Muchos directores nuevos se educaron en la floreciente industria del cortometraje en Corea y, por lo tanto, aportaron algunas de las técnicas y la sensación del cortometraje a sus debuts cinematográficos. Sin embargo, una de las formas clave en que los cineastas están tratando de crear una nueva imagen para la industria es mezclando y modificando los géneros antiguos.
Muchos de los principales éxitos coreanos de los últimos años le dieron un giro interesante a su género. Veamos, por ejemplo, Shiri (Kang Jae-gyu, 1999): combina hábilmente el éxito de taquilla de Hollywood con el melodrama coreano para dar como resultado una película que atrae a un amplio abanico de espectadores.
The Quiet Family (Kim Ji-woon, 1998) ofrece una disección divertida y enfermiza de la naturaleza humana en una fusión del cine de terror y la comedia. Esta historia de un albergue familiar en las montañas es a la vez lúdica y espeluznante, y su final enigmático solo se aleja aún más de la típica película de género. También, Christmas in August (Hur Jin-ho, 1998) es un melodrama típico, aunque reescribe las convenciones del género reemplazando el exceso emocional con la subestimación y alentando a sus espectadores a reconocer la muerte no como una tragedia sino como un fenómeno que debe aceptarse con gracia.
Me gustaría centrarme en una película que tuvo la capacidad de torcer su género de formas nuevas e interesantes. Nowhere to hide (1999) fue la sexta película del aclamado director Lee Myung-se, quien desarrolló tanto una reputación como un culto menor en Corea por su creatividad y estilo único. Mientras que muchos de sus trabajos anteriores se centraron en temas de amor y matrimonio (por ejemplo, My Love, My Bride, 1990 y First Love, 1993), en su película de 1999, y aparentemente cambia de rumbo al elegir el género de acción.
Las películas de acción suelen presentar un nivel continuo de alta energía, acrobacias, escenas de persecución, peleas, escapes, rescates, movimiento continuo, una historia ininterrumpida y un héroe ingenioso que lucha contra probabilidades increíbles para derrotar a un malvado villano. Muchos aspectos de Nowhere to Hide se ajustan a esta descripción: se centra en un grupo de detectives que luchan por atrapar a un asesino muy buscado; la película presenta escenas de persecución (una en la que el detective está descalzo), peleas (a menudo notables por sus impactantes imágenes y humor), disfraces, asesinatos y escapes increíbles. No obstante, algunos de los objetivos de Lee al hacer la película hacen que adapte el género para satisfacer sus propias necesidades.
Una de las ambiciones de Lee en Nowhere to Hide es retratar el trabajo de los detectives bajo una luz menos romántica. Como tal, incorpora muchas de las tareas domésticas cotidianas que enfrentan nuestros héroes, ya sea en la oficina o en una vigilancia esperando a un sospechoso. En términos de ritmo, esto provoca interrupciones en el movimiento ininterrumpido que se espera de una película de acción. Sin embargo, el hábil manejo de la cámara, la iluminación, el escenario y el diálogo de Lee en estas escenas proporciona una especie de acción cinematográfica para llenar los vacíos.
En una escena, un par de detectives sueña con comer mientras están sentados en su automóvil en una vigilancia. Mientras hablan, aparece una imagen de la comida sobre su cabeza mientras se apilan pimientos picantes, cebollas verdes y kimchi. En otras escenas, los personajes se ven eclipsados por el clima, que cambia casi mágicamente entre la nieve, el sol brillante y la lluvia torrencial. En una escena tensa, vemos el cuadro de una pequeña gota de sudor en la nariz de nuestro héroe que rueda y cae sobre sus pies descalzos. Estos y otros elementos similares usurpan el estatus tradicional de acción dentro de la película de acción, lo que permite a los espectadores centrar su atención en los aspectos más cinematográficos de la obra.
La segunda preocupación de Lee en esta película es algo más abstracta. Señala: «en una pintura de Monet, el tema no es el nenúfar. El nenúfar es solo el objeto sobre el que pintar la luz. Mientras flota, vemos su reflejo en el agua, y eso es lo que llamamos pictórico. Ni la intención es la misma. En esta película, quería mostrar lo fílmico. La historia y los personajes no son el foco principal de mi película. El movimiento sí lo es. El movimiento entra en los otros elementos de esta película para crear una acción cinética».[1]
Lee afirma que analizó los movimientos en la danza y en la Copa Mundial de fútbol que se jugó en Francia antes de filmar la película. Este enfoque da como resultado una falta de énfasis en la trama. Aunque las películas de acción suelen incorporar un flujo constante de eventos, en Nowhere to Hide, el enfoque de Lee en el movimiento a menudo detiene la historia. Al dirigir nuestra atención a las formas abstractas de las acciones de los personajes, los elementos narrativos tradicionales de la película de acción reciben menos atención.
En muchos sentidos, esta película puede considerarse una película de acción y arte; una obra que adopta las formas superficiales de una película de acción, pero luego las utiliza para fines completamente diferentes. Tras su estreno en los cines, se reconoció con razón como un tipo de película completamente nuevo. A pesar del enfoque artístico de la película y su narrativa sin énfasis, Nowhere to Hide se convirtió en un gran éxito en Corea, superando a gigantes de Hollywood como Austin Powers, Notting Hill y Wild Wild West.
En su audacia y creatividad, se diferenció de las películas de género que se habían filmado en el pasado en Corea del Sur y se identificó como parte de la nueva reforma cinematográfica de Corea. Sin dudas, la experimentación de los cineastas coreanos con el género continuó evolucionando. Todo esto sucedió, en la medida en que una nueva generación tomó el control de la industria e intentó dar forma a su propia identidad. Por supuesto que esto no hubiera sido posible sin una audiencia que apoyó este tipo de experimentos que fusionaron lo nuevo y lo antiguo. De ahora en más, solo podemos imaginar lo que nos espera.
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[1] Extraído de https://whitecitycinema.com/2013/08/04/
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